Programa de un año en Actuación para cine
INTRODUCCION A LA ACTUACION.
Esta clase será una introducción a varias técnicas reconocidas de interpretación de los grandes maestros de actuación.
Las clases comenzarán con una serie de juegos básicos de actuación y ejercicios de “calentamiento”. Los estudiantes primero explorarán el trabajo de Konstantin Stanislavski, luego se moverán al Método, brevemente hablando del papel de Sanford Meisner, luego seguir al trabajo de Lee Strasberg (el sentido y la memoria emocional), Stella Adler (la creencia absoluta en circunstancias dadas), Michael Chekhov (el gesto psicológico), Jerzy Grotowski (el acercamiento físico / " de afuera hacia adentro "), Ana Bogart (puntos de vista) y Tadashi Suzuki. Esta clase será una introducción a varias técnicas de interpretación(actuación) conocidas del Amo(Maestro) que Interpreta a Profesores. Las clases incluirán un breve fondo histórico de cada uno de los Maestros, así como una discusión del desarrollo de cada una de sus técnicas. Los estudiantes entonces serán inducidos a ejercicios específicos atribuidos a cada uno de los grandes maestros de la actuación y se les pedirá trabajar sobre ellos fuera de la clase y ponerlos en escena en la clase. Los estudiantes avanzaran a " Escenas Abiertas" y el trabajo de monólogo para comenzar a utilizar los conceptos aprendidos. Al final del semestre se llevara a cabo una presentación de un monologo (o escena abierta) como presentación final.
Como una extensión del trabajo de voz, la clase de reducción de acento se enfoca en la eliminación de acentos extranjeros y dialectos regionales desarrollando así el acento estándar americano. Usando el Alfabeto de Fonética Internacional (IPA), el actor aprende a corregir problemas de acento habituales y prepararse para el futuro estudio de dialecto. Los resultados de esta clase se pueden medir con mayor seguridad, claridad y la expresión con el texto, así como la capacidad de ejecutar una amplia variedad de papeles.
Actuación para cineEn el primer semestre los alumnos aprenden la base de la interpretación para cine: calibrar la interpretación basándose en tamaño del plano y ángulo, alcanzando las marcas, continuidad física y emocional, y fuerza e imaginación para sus elecciones como actor. En el segundo semestre el curso se intensifica a medida que los alumnos interpretan escenas de películas ya producidas, o, en colaboración con los instructores, desarrollan un corto original. Estas películas son rodadas y editadas profesionalmente. Además, los alumnos aprenderán a trabajar en distintas posiciones del equipo técnico, esto con el con objetivo de que amplíen sus conocimientos en los diferentes roles en un rodaje profesional.
Taller de actuación para cineNo importa lo bien que un actor profesional pueda describir que o como es actuar en un set cinematográfico, no tiene punto de comparación con la experiencia real. En el segundo semestre, los alumnos tendrán la experiencia única de actuar en rodajes en set, tanto en producciones originales como en la recreación de escenas de otras películas. Las escenas se desarrollan y ensayan incorporando las técnicas adquiridas y después se ruedan en series de un día de taller de producción con profesionales. Una vez las películas están rodadas se editan y se proyectan, y se entregan a los alumnos para que puedan añadir a su portafolio.
Estudio de escenaTrabajar en escenas de obras libretos de teatro y cine ya publicadas, permite al actor aprender de los conceptos básicos para desarrollar una escena: definir los objetivos, desglosar la escena en partes, entender el arco dramático, buscar el objetivo, desarrollar acciones y trabajar para vencer obstáculos. Esta clase provee la técnica básica para entender la actuación, por lo tanto empieza en su nivel mas básico, usualmente con escenas mudas o con poco dialogo. Una vez que las bases han sido establecidas, se exploraran escenas dramáticas o cómicas mas extensas. En ambos semestres, esta clase culmina con una presentación en vivo en el escenario.
Técnicas de cineNo es común que los estudiantes de actuación tengan la oportunidad de sumergirse en otros aspectos del cine. Para nosotros es crucial que el actor desarrolle habilidades de colaboración en el medio y conocer como cada miembro del equipo técnico contribuye a crear una interpretación del actor brillante. Para ello, los alumnos toman clases del programa de NYFA en técnicas de cine que son impartidas por profesorado en las siguientes disciplinas: Estructura de la historia, Cinematografía, Producción y Dirección.
Actuación para televisiónEl objetivo de esta asignatura es explorar las diferencias entre tipos de rodar en "el estilo de cine" (una cámara) y rodaje basado en argumentos para televisión: Comedia de Situación a tres cámaras, publicidad, telenovela, y programas de revista.
Técnica MeisnerLa técnica Meisner es una técnica de entrenamiento para actores desarrollada por Sanford Meisner. Quien fue uno de los miembros fundadores del grupo instrumental de teatro. Esta técnica esta orientada a que el actor escuche y responda de forma autentica a si mismo y a sus compañeros de escena. El primer semestre inicia con ejercicios de improvisación, en donde la atención de los actores es enfocada enteramente en el comportamiento simple de su compañero, esto en lugar de la interpretación del personaje, análisis del argumento o dirección. Una vez que estas bases han sido cimentadas, los estudiantes aplican la técnica a texto escrito. El segundo semestre esta dedicado a desarrollar la habilidad del estudiante para actuar y reactuar de forma autentica una circunstancia imaginaria, tanto en trabajo de escena como en improvisación avanzada. Se hará una presentación en vivo frente a una audiencia invitada.
Técnicas de audición (casting)La interpretación es tanto un negocio como un arte. Además del entrenamiento, un actor exitoso debe desarrollar buenas habilidades en Marketing en orden de construir su propia carrera. Estas clases se enfocan en temas tales como sentirse cómodo en audiciones de lectura improvisada, preparación de un currículo vitae, la elección de un buen fotógrafo para el headshot, y el desarrollo de una estrategia de carrera. Además, los actores experimentarán de forma viva audiciones; tanto en clase, como en castings abiertos de los directores del programa de dirección de cine de NYFA.
ImprovisaciónLa habilidad para improvisar no puede ser menospreciada cuando se habla de la actuación, especialmente frente a la cámara cuando usualmente existe poco tiempo para ensayar. Ya sea en comedia o en drama, los actores improvisan bien cuando están completamente inmersos, escuchando a sus compañeros y dejando ir sus inhibiciones frente al miedo de fallar. A través de juegos y ejercicios, los estudiantes aprenden a dejar que su imaginación corra salvajemente, como desenvolverse con otros y como vivir ‘el momento’- sin anticipar o planear que sigue después.
EdiciónAdemás de poner a disposición de los alumnos las herramientas básicas para editar su propio portafolio, también les enseñamos las bases para editar una película narrativa. Dado que las películas son grabadas fuera de secuencia, y que las secuencias deben de fluir aun cuando son filmadas con diferencia de dias o semanas, un actor no puede entender completamente el concepto critico y emocional a menos que tengan el conocimiento básico del proceso de edición.
MonólogosEs cierto que los monólogos suelen utilizarse en audiciones, pero trabajar con monólogos es también una técnica eficiente para interpretación en el cine. Los guiones ocasionalmente incorporan monólogos dentro de su estructura dramática y, más importante, los actores deben de aprender auto-disciplina para trabajar individualmente, sin la necesidad de apoyarse en un compañero para inspirarse. Las técnicas que se aprenderán incluyen: selección de monólogos honestos, significativo y relevante, análisis de el guión de un monólogo, montaje y auto-dirección. Los monólogos se presentarán frente a una audiencia en vivo.
ShakespeareAlgunas personas dicen que si puedes interpretar Shakespeare de forma honesta, entonces puedes interpretar lo que sea. Los estudiantes aprenderán a hablar, expresar físicamente e imprimir subtexto sólido al lenguaje clásico de Shakespeare, pero con un método moderno que asimile las experiencias personales del actor.
MmovimientoEl cuerpo de un actor es su único instrumento, por lo tanto debe ser templado para funcionar de manera experta cuando y como lo necesite. Las clases de movimiento, además de ayudar a la flexibilidad del cuerpo del actor y el desarrollo de la habilidad del actor de relajarse o crear tensión según sea necesario, se enfoca también en vencer las inhibiciones, orquesta es espíritu y provee las herramienta necesarias para traer una dimensión física a todos sus papeles a representar. En el segundo semestre, esta clase se enfoca de forma mas especifica en el movimiento aplicado al lenguaje cinematográfico.
Voz
Un instrumento primario para el actor es la voz expresiva y libre. Por lo tanto, las voces deben ser entrenadas para ser escuchadas (mediante ajustes de volumen), entendidas (por la articulación) y también sentidas (por la expresión). Los estudiantes llegan a comprender bien el poder de como nutrir y controlar sus voces ejercitando varios músculos y elementos de resonancia, permitiéndolos liberar impulsos emocionales. Además del trabajo de respiración, las clases enfocan el canto, la relajación, la expresión, y la postura como un modo de nutrir el instrumento del actor. Usando el texto, los estudiantes aprenden a identificar palabras claves y aprender a unir la intención con la voz y hablar clara y poderosamente durante el final de una línea.